Шульверк. Система музыкального воспитания Карла Орфа

«Шульверк» на сегодняшний день – одна  из наиболее известных систем музыкального воспитания детей во всем мире.

«Шульверк» создавался в середине ХХ века и вобрал в себя многие тенденции развития музыкальной культуры своего времени: стремление освободиться от самодовлеющего значения классической гармонии, поиск нового в хорошо забытом старом: фольклоре и музыке доклассического периода; интерес к тембровому колориту; приоритет ритмического начала; поиск утраченной культуры свободного импровизационного музицирования.

По замыслу его  автора – австрийского композитора и просветителя Карла Орфа, элементарное музыкальное воспитание должно опираться на национальные музыкальные корни, отталкиваться от самых глубоких пластов интонационного сознания, заложенных в фольклоре. И для разных национальных культур эти основы могут существенно различаться. Поэтому появление национальных изданий «Шульверка» всегда является не просто текстовым переводом, но поиском интонационных параллелей между логикой орфовской системы музыкального воспитания и национальным интонационным словарем. В каждой стране «Шульверк» обязательно должен быть существенно обогащен своим словесным  и музыкальным народным достоянием, в частности детским фольклором.  И смысл не в том, чтобы присочинить к моделям «Шульверка» что-то новое, а в том, чтобы найти это новое  в своем народном богатстве и вдохнуть в него современную жизнь.

Вслед за изданием на немецком языке, широкое распространение получили адаптированные варианты, созданные в других странах Европы, США, Японии. Для развития музыкальной культуры Восточной Европы большим событием стал выход в свет издания на чешском языке.

В России увидел свет пока лишь 1-й том Шульверка (2008 г.) под редакцией В.Жилина. Следует также отметить книги и пособия  Т. Тютюнниковой, Е. Забурдяевой, Т.Боровик,  работающих по системе К.Орфа.

Идея «делания» и творчества.

«Каждый узнает лишь то, что сам пробует сделать» (Песталоцци), «мы познаем лишь постольку, поскольку сами делаем» (Новалис) – к этим двум оттенкам одной и той же мысли орфовцы часто возвращаются в своих высказываниях.

В немецком слове «Schulwerk» вторая часть слова происходит от слова «wirken» (действовать) и нацеливает на активное действие, сотворчество, собственное «формование» музыкального материала. Действительно, пьесы «Шульверка» созданы вовсе не для того, чтобы их  разучивали по нотам. Все они представляют собой модели, демонстрирующие последовательное усложнение музыкального материала и способ, который доступен детям для самостоятельного поиска мелодических и ритмических средств в работе с музыкальным материалом.

Орф отмечал, что «В индустриальном мире человек инстинктивно хочет творить, и этому надо помочь. «Шульверк» направлен на то, чтобы пробуждать к созиданию в области музыки. Но привитые желание и умение творить скажутся в любой сфере будущей деятельности ребенка.»

Собственное детское творчество - пусть самое простое, собственная детская мысль - пусть самая наивная, – вот что создает атмосферу радости, формирует личность, воспитывает человечность, стимулирует развитие созидательных способностей. Такова одна из общих идей, лежащая в основе «Шульверка».

Триада «композитор-исполнитель-слушатель» с характерным для отечественного музыкального воспитания креном в сторону последнего звена, в «Шульверке» активно использует второе, и по смыслу обращена в сторону первого. Вот что пишет по этому поводу ближайший соратник Орфа В.Келлер: «Когда говорится о фундаменте музыкальности, имеется в виду музыкально-ритмическое чувство и музыкальный слух, позволяющие пережить-понять музыку. И, подчеркиваю, способность свободно в ней ориентироваться и свободно с ней «обращаться»: прочесть с листа, транспонировать, сыграть в другой фактуре, досочинить недостающее (скажем, аккомпанемент)… но если ребенок перескакивает ступени развития, не музицирует, а только «интерпретирует», не познает на опыте, как создается музыка, как она формуется, как «сопротивляется» ее материал, иными словами, если в обучении хоть в некоторой степени не пытаются сблизить «композиторское» и «исполнительское» - не удастся заложить у широкой массы детей фундамент музыкальности».

Овладение основами музыки предполагает не только основательное приобретение каких-то знаний, но, главное, умение ими активно и творчески оперировать. Не только «знать», но и «сделать», или, быть может, еще точнее: «сделать» и в силу этого – «знать».

Элементарное музицирование. Инструменты.

Осуществить все это в музыкально-воспитательной работе можно только в том случае, если начать с самого простейшего. Элементарное – это изначальное, но вовсе не примитивное; элементарная музыка в простой форме может передавать «высокое» и «значительное». Она не является искусством второго ранга, она содержит в себе то, что ведет к более сложному и опирается на национально-народные истоки, музыкальные и речевые, но не должна отождествляться с народной музыкой (музыкальный фольклор может быть элементарной музыкой, но не обязательно является таковой – В. Келлер).

Поэтому большое значение в данном контексте приобретают простые музыкальные средства – хлопки, шлепки, притопы, и те инструменты, которые обязаны им своим происхождением – в первую очередь  ударные.

Инструменты для детского элементарного музицирования должны обладать эстетически привлекательной звучностью и при  том быть очень простыми, удобными для игры и не требовать сколько-нибудь значительной выучки. Они должны без специальных передающих механизмов непосредственно подчиняться играющему – движениям его рук и рта, и соответствовать тому инструменту, который дан нам от природы – человеческому телу.  

Такого рода инструментарий был разработан Орфом совместно со знаменитым музыковедом Куртом Заксом.  Основой орфовского оркестра являются так называемые штабпили ) мелодические ударные инструменты  с деревянными или металлическими пластинками (различного размера ксилофоны, металлофоны, глокеншпили); а также широкая группа немелодических ударных (от детских литавр, двойного барабана и до маленьких тарелочек). Также – очень простые духовые инструменты: родственные народной свирели – разного диапазона блокфлейты; и некоторые смычковые инструменты, используемые для извлечения тянущихся звуков на «пустых» струнах.

Инструментальная игра и пение.

В свое время немало острых замечаний в адрес орфовской системы музыкального воспитания было связано с новым балансом сил между пением и инструментальной игрой.

В орфовском детском музицировании пению уделяется огромное внимание, и в большей части пьес из «Шульверка» дети поют. Однако пение не рассматривается как обязательное первичное выявление музыкальности. В Келлер это подчеркивает: «Широко распространенное утверждение школьной премудрости о том, что пение – элементарная форма музыкальных проявлений и, следовательно, всякое музыкальное воспитание должно начинаться с пения, несостоятельно, и в лучшем случае является полуправдой… Ни в примитивных, ни в высокоразвитых культурах инструментальное музицирование не развивалось из пения… на ранних стадиях музыкальной культуры и вообще человеческой деятельности ритмические движения тела, как форма выражения являющаяся первоначальным видом инструментальной музыки, играют такую же важную роль, и как и вокальные проявления».

Синкретическое единство слова, музыки и движения.

Идея синкретического развития, опирающегося на народные лады, ритмы и жанры, подхваченная Орфом от Эмиля Жак-Далькроза, Белы Бартока, Золтана Кодая, ряда других просветителей и музыкантов, является для Шульверка ключевой. Музыка вырастает из ритмизованной речи, ее формы рождаются в танцевальном движении, и все это окрашивается радостью взаимного общения и игры.

Умение расслышать в поэтическом слове музыку: и ритмо-мелодическое начало, и тембры, и артикуляцию, построить из всего этого целостную музыкальную форму было свойственно и самому Орфу. Вот как описывает Л.А.Баренбойм его выступление в качестве чтеца, исполнителя старинной альпийской легенды:

«Проследим же за чтецом. Небольшой зал. Полукругом расположившиеся слушатели. За столиком Орф…

Идет негромкий разговор ведьм, прерываемый их «хором». Сухой, скрипучий и обесцвеченный старческий голос, иногда переходящий в шепот. Острые и чуть угловатые, но очень сдержанные жесты, повороты головы, мимика. Все ритмизованно – проза и стихи. Метрический пульс, ритмический рисунок, внезапные и постепенные метроритмические переходы столь же явственны, как в музыкальном произведении. Темп… все убыстряется. Слова постепенно теряют протяженность, произносятся дикой скороговоркой. Их уже почти не слышно (впрочем, они повторяются и потому остаются в сознании); только – общее звучание, метроритм и темп… Любыми средствами колдуньи хотят уничтожить Христа-младенца. Заклинания, вызов злых ветров, снежной метели… Пока – только ритмы и звуковые краски слова. Мелодии, реальной мелодии нет. Есть лишь мнимая, кажущаяся мелодия, которая сама собой возникает в воображении слушателя. Но одного лишь ритмического начала Орфу не хватает и он тихо-тихо, затем громче начинает напевать. Нет. Не петь и, быть может даже не напевать, а только на нотах определенной звуковой высоты произносить заклинание ведьм:

Wind und weh,
Wind
und weh!

Мелодия – всего лишь два соседних нисходящих звука, одна и та же повторяющаяся мелодическая секунда в размере 6/8. Но какой эффект оказывает эта неожиданная мелодизация, это простейшее и в то же время могущественное элементарное выразительное средство, использованное в определенной ситуации!...»

Слову – элементу речи и поэзии, слову из которого рождается пение, слову – его метрической структуре, его мелодическо-интонационному произнесению и его звучанию – светлому или гулкому, прозрачному или густому, легкому или вязкому – уделяется в Шульверке особое внимание. И, конечно, не только отдельному слову, но рифмам, поговоркам, пословицам, детским дразнилкам, считалкам… Ведь сплав звучащего слова, жеста и движения – первичная основа музыки.

 

РИТМИЧЕСКОЕ ВОСПИТАНИЕ

Чувство метра

В основе метроритма – чувство времени, возможность ощущать в себе свойства временного потока, изменять его и изменяться вместе с ним.

Стремясь найти начала всех начал, Курт Закс сказал «Вначале был барабан». Но барабан – это метафора. Вначале был ритм. Ритму нельзя научить. Его можно освободить, «развязать» в человеке. Это не умственная абстракция, это живая сила организма и всей биологической жизни. «Развязывание ритма» в Орфовской Гюнтершуле начиналось с хлопков рук, щелчков пальцами, притопываний ногами. Все это украшалось погремушками и трещоткам, принадлежащими к древнейшим инструментам человечества.

Однако, столь простые, на первый взгляд, действия далеко не у всех получаются сразу и требуют внимания, сноровки, быстроты и точности реакции. Поэтому на первых занятиях по орфовской методике обязательно присутствуют упражнения на качество и скорость временной реакции, например, такие:

  1. Коллективное вступление. Дети после вдоха и легкого взмаха рук (подготовительное движение) делают первый хлопок. Вначале только один хлопок, его повторяют через разные промежутки времени, затем в течение короткого времени равномерные хлопки. Повторения хлопков проводятся каждый раз в другом темпе (по жесту учителя).
  2. Коллективные хлопки: хлопать в ладоши упруго и звонко, одинаковыми длительностями, без акцентов. Надлежит следовать за учителем в отношении разного рода изменений силы звучания в одном и том же темпе, изменения темпа, в том числе и в сочетании с изменением силы звучания. Затем группами, затем с отдельными детьми (по взгляду учителя).
  3. Одновременное окончание хлопков: по знаку учителя, по ощущению каденции в мелодии, и т.д.
  4. Продолжение и сохранение заданного темпа. Учитель делает предварительно несколько хлопков, а дети продолжают начатое в том же темпе. (При повторениях следует всегда брать другой темп.)
  5.  Нахождение пульсирующих долей в мелодии, импровизируемой учителем. При повторениях можно изменять темп, а если детям доступно, то и метр.

Речевая основа

Наряду с метрическими упражнениями уже на первых занятиях вводятся элементарные ритмы.
Из детских стишков, песен и имен выделяют самые короткие ритмы в двухдольном размере из четвертей, восьмых и половинок, но без затактов:

Та-ня, Ми-шень-ка, Се-ра-фи-ма, Пётр…

Ли-па, ё-лоч-ка, ли-стве-ни-ца, дуб.

Эти ритмы используются как «строительные блоки». Ритмические блоки двухдольного такта – основа начального ритмического обучения. Они служат для сопровождения мелодий, которые играет и поет учитель, а также для сопровождения речи и пения учеников, во время игр и импровизаций, игры на инструментах.

Таким же путем, но чуть позже, выделяют «ритмические блоки» в трехдольном размере.

Ритмические блоки в виде октав и квинт используются в качестве ритмизованного бурдона – аккомпанемента на штабшпилях.

Ритмическое эхо и каноны

Тренировка в легкости исполнения разнообразных ритмов происходит в форме игры  «Ритмическое эхо». Игра постепенно усложняется – сначала ритм задает учитель; постепенно его роль переходит к одному из наиболее способных детей, и, наконец, любой ученик класса может импровизировать ритмы, который другие дети по принципу эха будут повторять. Постепенно в игру вводятся дополнительные элементы – изменения динамики, тембров. Дети придумывают как исполнить заданный ритмический рисунок с помощью звучащих жестов, «инструментуют» один и тот же ритм по-разному. Через некоторое время подключаются и ударные инструменты.

Логическим продолжением игры «Эхо» являются ритмические каноны, которые также рождаясь из речевых ритмов постепенно переходят в звучащие жесты, а затем и на инструменты.

Цепочки слов и фразы легко удается «переложить на барабан» со всеми нюансами настоящей речи. Диалоги и споры барабанных ритмов создают еще более  увлекательную игру.

Свободный речитативный (декламационный) стиль

На 3-4 году обучения, по мере того, как слух и чувство ритма развивается, появляется возможность всесторонне использовать свободно движущуюся, независимую от метрическо-вертикальных связей и акцентов ритмику.

Речитативное псалмодирование («певучее рассказывание») текстов, в которое могут быть включены в соответствующих местах и мелизматические фигуры, опирается на естественный речевой ритм.

Подобного рода музицирование может быть проведено в пределах мажорного и минорного пятиступенного звукорядов; тяготение к основному тону, свойственное мажору, следует преодолеть, и оно не должно выполнять метрорасчленяющую роль.

Любая гимническая проза может быть прочитана в такой манере. Хорошо получается псалмодирование отрывков из Гомера и другие древнегреческие тексты, русские былины и народный эпос других народов.

При речитативном изложении рекомендуется поручать исполнение сначала отдельным голосам (зачин, запев) для того, чтобы пробудить хор, отвечающий «солисту».

Орф предостерегает от слишком медленных темпов. В этом жанре следует объединять не отдельные слова, а предложения и строки. При этом наиболее важные цезуры и заключения могут быть отмечены «звучащими знаками препинания» (удары «secco»): запятая, точка с запятой, вопросительный знак, двоеточие – светлым звучанием, высокими звуками, неустойчивыми ступенями (V); точка, восклицательный знак – темным грузным звучанием, низкими тонами или устойчивыми ступенями (I).

ЛОГИКА ОСВОЕНИЯ ЛАДА

Попевка зова

Вся методика работы направлена по поиск путей и средств, которые вызовут у ребенка стремление к самостоятельности и натолкнут его на поиски элементарных музыкальных образований. Важным средством является ограничение звукоряда пятиступеневой последовательностью тонов, а внутри нее – формулой зова.

«Как кричит кукушка?» - в ответ на этот вопрос  учащиеся могут самостоятельно спеть нисходящую малую терцию «Ку-ку»,  или найти на ксилофонах и сыграть ее (оба широких промежутка между пластинками штабшпиля, отмечающих скачки на малые терции «до-ля» и «соль-ми» должны найти сами дети!).

Другой путь самостоятельного нахождения формулы зова связан с самим понятием этого слова: призывы и отклики («Ау!», «Алло!», «Помоги!») и наряду с ними имена и короткие фразы-вопросы («Таня!», «Где ты?», «Кто там?») наталкивают детей на поиски попевок. Такие и сходные приемы помогают найти попевки, начинающиеся с первой доли такта, а затем и затактовые.

Затем к терцовой попевке постепенно добавляются соседние ступени в следующем порядке (по мере усложнения):

V – III – VI – I – II.

Любая добавленная ступень предполагает достаточное количество слуховых примеров для пения, пения с аккомпанементом, и, конечно, вокальных или инструментальных мелодических импровизаций с ее участием.

Развивая ритмическое чувство через игру «Эхо» и упражнения на продолжение заданного ритма постепенно приходят к мелодизации заданных ритмов. Мелодическое «Эхо» и упражнения на «мелодические дополнения» выполняются на штабшпилях.

Поначалу объем мелодий должен быть ограничен (до сексты); для этого на штабшпилях следует вынуть лишние пластинки. В дальнем ограничительные звуки могут быть выбраны свободно.

Первые импровизационные опыты неизбежно будут содержать случайные «вольности» в отношении внезапных заключений, неожиданных остановок на «нелогичных» звуках и т.д. Верным признаком не невнятного «плавания» а сознательной импровизации является повтор. Если ребенок смог повторить только что сыгранное можно считать творчество состоявшимся. Существенным является и то как протекает исполнение: если ученик проигрывает или пропевает свою мелодию в одном движении, то ее безусловно можно  счесть творческой работой. И, конечно, главным мерилом остается радость и красота – если звучит красиво, то насколько это звучание явилось результатом случайности становится уже не так важно.

Хорошим интонационным упражнением является подхватывание хором звуков или мотивов, сыгранных на ксилофоне. Такого рода пропевание полезнее, чем повторение звуков, спетых голосом, так как требует от детей умения преобразовывать инструментальный звук в звук вокальный.

Методические рекомендации «Шульверка» предполагают импровизации в пятиступенном звукоряде не менее одного года при условии занятий 1-2 часа в неделю), специалисты рекомендуют и еще более длительный период. Торопливость приводит к поверхностному изучению пятиступенного звукоряда и свидетельствует о недооценке его значения.

При этом существенной оговоркой является то, что в основе пятиступенного звукоряда, который занимает в I томе Шульверка преобладающее место, лежит интонация зова, бытующая в условиях Центральной Европы. К.Орф неоднократно указывал на то, что в других интонационных культурах возможны иные интонационные праосновы.

Однако, в любом случае пятиступенный бесполутоновый звукоряд, в каких бы ладовых вариантах он ни появлялся, образует наилучшую основу для первых упражнений, так как позволяет всегда получать благозвучное сочетание свободно импровизируемых разными учениками самостоятельных мелодических линий.

Переход от пятиступенного к шести- и семиступенному мажорному звукоряду.

При введении следующих ступеней – IV  и VII – в  Шульверке намеренно подчеркивается ступеневый характер звуков, так как его следует в данном случае познать раньше, чем любую гармоническую функцию.

Во II томе «Шульверка» приводятся примеры мажорных (6-и и 7-и ступенные звукоряды) песен и пьес. Наряду с этим необходимо время от времени возвращаться к музицированию в пятиступенном звукоряде. Таким образом сохраняется преемственность и укрепляются основы.

Введение доминант

В III томе «Шульверка» вводятся доминанты. Однако все время сохраняется акцент на том, что кадансирующая роль доминант, сложившаяся в классической гармонии – это лишь одна из возможностей среди множества других.

Бурдон и ступени следует понимать не как предварительные формы или предварительные ступени гармонического сопровождения, а как соотношение неких иных сил во взаимодействии музыкальных элементов; доминирование гармонического начала отодвигает на задний план мелодический элемент и наоборот. Ритм же остается и тут и там главной силой; гармонические средства могут повлиять на него, но не вытеснить.

Первооснова воздействия доминанты заключена не в аккордовом, а в интервальном напряжении между верхним и основным тонами квинты. Построенные над этими звуками аккорды повышают (или уменьшают) напряжение, создаваемое движением баса по квинтовому интервалу, и обогащают в звуковом и гармоническом отношении этот процесс.

Поэтому первые упражнения на доминанты должны быть как можно более скромными по звучности, а все внимание сосредоточено на основополагающем движении баса. Для этой цели особенно подходят задания и упражнения, предназначенные для флейт и литавр; подготовкой служат упражнения, которые предусматривают исполнение басовых фигур, построенных на соотношениях I – V ступеней. Используя эту возможность, следует продолжить тренировку в технике игры на литаврах, обратив внимание прежде всего на рациональное распределение голосов между обеими руками. Вначале вместе с литаврами следует играть тонико-доминантовые фигуры в разных регистрах на всех других инструментах, имеющих определенную высоту, так как речь идет, по сути дела не о басовом  регистре, а о гармоническом сопровождении с доминантами.

С пропуском вводного тона (большой терции доминанты) мы встречаемся и в инструментальных танцевальных пьесах, помещенных в III томе «Шульверка». Впоследствии вовсе не нужно избегать полного доминантового трезвучия. Следует, как и везде в «Шульверке», сначала ограничиться самым существенным, осознав, как музыкальные процессы развиваются из их первоначальных основ. Силу воздействия доминанты лучше всего показать на примерах, в которых вступление ее задерживается предшествующим накоплением сил.

После верхней доминанты вводится субдоминанта (IV ступень). Во взаимосвязи I и IV ступеней напряжение складывается по-иному: движение направлено вниз к основному устойчивому тону. Заключительный оборот IV – I более суров, сдержан. Ибо воспринимается не как падение, а как движение к концу.

Оба заключительных оборота, каждый из которых имеет свои характерные особенности, надо сопоставить друг с другом и использовать в музицировании.

Минор и Доминанты в миноре

В IV тому Шульверка появляется минорная пентатоника и все, освоенные ранее закономерности и приемы отрабатываются в новой ладовой окраске.

В V томе «Шульверка» появляются доминанты минорной диатоники, а также новые ритмико-мелодические и речевые упражнения, которые являются продолжением и дополнением основополагающих упражнений, размещенных в I томе.

Упражнения, в которые вводится доминантовое сопровождение в миноре, отличается от аналогичных упражнений в мажоре тем, что сначала используется V ступень без вводного тона, то есть доминанта в чистом (натуральном) миноре, что нехарактерно для классической гармонии.  Доминантовый эффект первоначально создается квинтовым интервалом I-V.

Всюду еще ясно ощущается связь с бурдоном. Следует обратить внимание на особо важное значение пьес для мелодических инструментов в литаврами (или другими басами); эти басы помогают воспринять и пережить самую суть доминантового сопровождения – осовополагающую интервальную сопряженность. I и V ступени могут следовать одна за другой, или же между ними может быть больший или меньший промежуток.

Остинатные фигуры на этих ступенях надо исполнять в самых разнообразных вариантах. При этом следует обратить внимание на то, чтобы мелодии, импровизируемые на основе подобных остинатных фигур, охватывали большие отрезки и тем самым контрастировали с короткими остинатными фигурами.

Мелодии могут быть в эолийском, дорийском и фригийском ладах, так как минорная доминанта прекрасно уживается с каждым из них.

Вводный тон в миноре.

Гармонический минор имеет особое значение в кадансовой гармонии классической и романтической музыки. Однако, вся логика «Шульверка» окрашена стремлением избежать жесткого закрепления этих гармонических штампов. Тем более, что вводный тон присутствует во многих народных мелодиях, которые, конечно же, не имеют никакого отношения к классической гармонии. Тем не менее, согласно методике Орфа, вначале водный тон рекомендуется употреблять очень осторожно, в скромном звуковом и аккордовом оформлении, подчеркивая тем самым его мелодическую функцию.

Дискантирование.

Овладев всеми гармоническими основами в семиступенном звукоряде, можно обратиться к более развитым формам импровизационных упражнений. Ставится новое задание – дискантирование на заданные мелодии и целые построения.

Орф в примечаниях к V тому «Шульверка» пишет: «важно, чтобы в этом упражнении … новая мелодия была бы достаточно пластична. Не следует опасаться возникающего порой параллельного движения, а также жестких созвучий, появляющихся в сочетании с данной мелодией… Вначале легче всего удается гаммообразное обыгрывание. Затем следуют упражнения в секстах и терциях…»

Следует помнить, что не всякая мелодия или построение дает возможность дискантировать. Наиболее удачны для этого – простые мелодии, многие из которых народного происхождения. В русском фольклоре также существует развитая традиция дискантирования, которая может быть органично вплетена в данный методический подход.

И в европейской, и в русской традиции дискантирование заключается в том, чтобы обвить новым верхним голосом заданную мелодию или гармоническую структуру.

Как и во всех импровизационных упражнениях, вначале следует избегать всяких запинок и исправлений; лучше примириться с мелодическими шероховатостями, чем с нарушением ритмического движения…

Дискантирование можно проводить на всевозможных инструментах, а также напевая (без текста).  С заданной мелодией или заданным построением импровизирующий должен предварительно хорошо ознакомиться, особенно с гармонической структурой. От дискантирования прямой путь ведет к свободному варьированию, которое в «Шульверке» показано на примере чаконы.

В последнем томе «Шульверка» еще раз приводятся ритмико-мелодические упражнения и речевые пьесы, являющиеся расширением и обобщением того, что было начато в I томе. В примерах и упражнениях представлены усложненные ритмические построения и переменные размеры, озвученные речитативы большой протяженности, сочетание речевых упражнений с инструментальным сопровождением.

Все эти упражнения рекомендуется использовать вместе с материалом предыдущих томов.

В этом томе Шульверка многие примеры дают возможность потренироваться в инструментовке пьес, как совершенно новых, так и звучавших ранее, но инструментованных по-другому.

Ни на одной стадии музыкального обучения изученное ранее не может считаться полостью исчерпанным. Все пройденное содержится в новом, и к нему, к пройденному, следует обязательно возвращаться на последующем этапе.

 

АККОМПАНЕМЕНТ

Аккомпанемент – как ритмическая, а чуть позже и гармоническая основа пения и импровизации – важнейшая оставляющая орфовской системы.

Как только найдена первая простейшая мелодия на основе интонации малой терции можно приступить к поискам ритмического сопровождения. Оно сводится сначала к хлопкам, притопам и шлепкам (звучащие жесты).

При появлении некоторой уверенности и ритмической точности, ритмическое сопровождение переносится на ударные инструменты – сначала оказываются задействованы инструменты без определенной высоты, постепенно подключаются инструменты со звукорядом (штабшпили: ксилофоны, металлофоны, глокеншпили). При этом звучащие жесты еще достаточно долго остаются в работе наравне с этим инструментарием.

Музицирование вырастает из импровизации и поэтому все упражнения должны подготавливать к импровизации и творчеству. Первая предпосылка для успешной импровизации – основательное знание инструментов. Поэтому техникой игры на штабшпилях следует овладеть настолько, чтобы дети играли на них свободно в объеме заданного звукоряда. Для целей развития игровой техники предлагается играть и простые пьесы из I тома «Шульверка», которые также следует рассматривать в первую очередь не как тексты для разучивания, а именно как модели, подсказывающие учителю путь для собственных поисков и проб.

В упражнениях и аккомпанементах на штабшпилях сначала должны звучать только тоника и/или квинта в виде выдержанного бурдона. Бурдон – простейшая звуковая опора любой пятиступенной мелодии. Его спокойствие и устойчивость противопоставляются мелодическому движению и вместе с тем стимулирует формирование мелодии.

Из простого бурдона развиваются ритмически фигурированный, затем «блуждающий бурдон», а из него остинатные фигуры.

При «блуждающем бурдоне» происходит следующее: либо один из звуков квинты движется шагами или небольшими скачками вверх или вниз, образуя орнаментальные фигуры; либо оба звука квинтового интервала, благодаря параллельному или противоположному движению, опеваются одновременно. Но при этом квинтовое звучание – элементарный гармонический фундамент, - несмотря на эти оплетения, должно быть все время явственно слышно. Примеры простого и «блуждающего бурдона» – сначала в четном, а затем и в нечетном размерах можно найти на страницах I тома «Шульверка».

Если украшения и оплетения приобретают значение самостоятельных фигур, то мы говорим уже не о бурдоне а о Basso Ostinato (ostinato (лат.) – упрямый, упорный, все время возвращающийся).

Переход от «блуждающего бурдона» к остинатным фигурам едва заметен, и поэтому точно установить границу между ними нелегко. При этом квинту может заменить обращенный интервал – кварта.

Поначалу в качестве ритмического оформления простых бурдонов используются простейшие ритмы, освоенные в речевых играх и звучащих жестах. Лишь когда в совместной игре эта задача будет решена без особых трудностей и без нарушений темпа, можно будет перейти к более сложным аккомпанирующим фигурам, сочетающим разные длительности в партии двух рук.

В мелодическим плане первые аккомпанементы на штабшпилях ориентируются на использование ближайших по порядку клавиш. Затем включаются аккомпанементы, требующие более сложной координации, например, скачки на квинту или октаву.

В пятиступенном звукоряде и в сфере бурдонного и остинатного сопровождений могут возникнуть звуковые шероховатости и параллельное движение между фигурами аккомпанемента и мелодией. Это не только не противоречит стилю, но напротив, составляет своеобразие такого изложения и придает ему необходимую остроту и напряженность.

Всего этого на имеющихся инструментах можно добиться уже на первых уроках при работе над песенкой, построенной на двух ступенях.

Наполнение звукоряда от терцовой попевки до полноценной пентатоники напрямую связано с растущим опытом в исполнении аккомпанементов на штабшпилях.

Из блуждающего бурдона выделяются II, а затем и VI ступени; и в чередовании с I ступенью они постепенно приобретают самостоятельное значение.

Шести- и семиступенный звукоряды позволяют ввести новые формы сопровождения – параллельное движение второго голоса в терцию или в сексту.

На шести- и семи-ступенном звукоряде продолжаются упражнения в игре на штабшпилях. Остинаные фигуры становятся богаче и разнообразнее, в них появляется возможность мелизматики. Однако, в примечаниях по II тому «Шульверка» Орф пишет: «Ostinato всегда следует играть подвижно и звучно, чтобы пробудить учеников  к мелодической импровизации. С другой стороны, возникшая мелодия должна соответствовать ostinato. Для того, чтобы хорошо играть ostinato, нужно длительно упражняться; к тому же должна быть воспитана взаимная чуткость играющих ostinato и импровизирующих мелодию.

Чем меньше мелизматики в остинатном сопровождении, тем больше возможностей будет предоставлено для мелодической импровизации на основе такого ostinato.

Постепенно нарастающая и убывающая динамика или же ступенчатая динамика способна придать такому ostinato законченную форму и оживить его».

После того, как введено ступеневое сопровождение, добавляются новые звуковые фактурные упражнения, прежде всего с использованием трезвучий. В отличие от реального голосоведения, речь здесь идет об обогащенном в звуковом отношении одноголосии, встречающемся во многих элементарных формах у истоков многоголосного музицирования (как в высокоразвитых, так и примитивных культурах).

 

ФОРМА

В работе даже с простейшим мелодическим и ритмическим материалом нужно стремиться к развитию чувства музыкальной формы.

Уже на начальном этапе из «ритмических блоков» путем их соединения друг с другом строятся самостоятельные формы, состоящие из наикратчайших вступительных и заключительных фраз.

Если присоединить к подобным формам  новую часть такой же протяженности (любого непротиворечащего предыдущему ритмического рисунка), то образуется двухчастная форма АВ, также получается АВА, АВАСА

Ритмическое строение промежуточных частей должно контрастировать с рефреном.

Отклонение от привычных симметричных форм (сокращения или расширения) легко усваиваются детьми с помощью соответствующих текстов:

На поляне мы гуляли,
Под осиною искали.
Гриб мы нашли!

Эй, веселей! Танцуй, танцуй живей!
На быстренькие ножки еще сошьют сапожки.
Эй, веселей!.

Дальнейшее обогащение формы достигается без всяких дополнительных заданий. Просто при помощи повторений и пропусков: так как в качестве вступления может прозвучать одно лишь сопровождение без мелодии или одна мелодия, исполняемая на блокфлейте или глокеншпиле. Когда вступает голос, сопровождение может быть ограничено только важнейшими инструментами. В заключении же снова прозвучат все инструменты (tutti). Далее, форма сопровождения может изменяться от куплета к куплету: один куплет сопровождается только хлопками; другой – игрой на штабшпилях; третий – ударными инструментами без определенной высоты; четвертый – любым иным сочетанием. При недостатке куплетов можно и нужно вместе с детьми сочинять новые. Это развивает творческую фантазию и свободу в музицировании, возрождая по сути фольклорный принцип игры со словом и звуком.

Пятиступенный звукоряд без полутонов – хорошая основа и для мелодической импровизации в форме рондо. В качестве темы может быть использована любая песня в пятиступенном звукоряде, которую раньше ученики пели или играли. Дифференциация  частей формы может быть достигнута при помощи разной инструментовки, различных сопровождающих ритмов. К импровизации куплетов могут быть привлечены наряду со штабшпилями все имеющиеся мелодические инструменты. По сути здесь будет воспроизволиться принцип Concerto Grosso с характерной для него сменой tutti и solo. После изучения простых репризных форм и после музицирования в форме рондо можно и должно привести соответствующие примеры из музыкальной литературы, осветить наиболее простые вопросы из области музыкальных форм и стилей. Тот, кто сам музицировал и участвовал в импровизации таких форм, и как слушатель легче найдет путь к пониманию выдающихся произведений искусства, написанных на основе такого рода типичных структур.

По материалам книги "Элементарное музыкальное воспитание по системе Карла Орфа".// Сост. Л.А. Баренбойм. М., 1978.

Материал по теме: 

Ритмическое ЭХО

Игра на развитие чувства ритма

для 1-5 кл.

Звучащие жесты (Body percussion)

Описание с нотацией
и партитурами упражнений

Техника игры на штабшпилях

Общие методические рекомендации, приемы

Пьесы, упражнения.